Liste de tous les films Mamoru HOSODA

Aujourd’hui je vous propose d’explorer le parcours de l’un des maîtres de l’animation japonaise. L’un de ceux grâce à qui la magie de l’animation opère presque instantanément. Ce réalisateur, qui est à la fois animateur, réalisateur et scénariste, c’est Mamoru Hosoda. Depuis ses débuts au studio Toei dans les années 90, il est devenu aujourd’hui incontournable et pourtant encore trop méconnu. A l’image de son parcours, sa réussite a mis du temps à se dessiner.

Actuellement, il est pour moi le meilleur réalisateur pour exprimer la puissance des émotions (au sens intime) et en faire un spectacle (au sens universel). Par exemple, pour traiter du thème de l’enfance et de la famille, il montre beaucoup de réalisme, proche du cinéma réel comme celui de Kore eda. Mais en plus, il exploite la liberté qu’offre l’animation, la 3D, pour explorer des univers parallèles à la réalité.

Ses thèmes favoris, sont autant de sources d’inspirations (de son expérience personnelle), que des pistes de réflexions, en forme d’engagement pour l’avenir. Il a donc un véritable fil rouge dans chacun des films de Mamoru Hosoda : On peut s’amuser à faire les liste des parallèles. Pour résumer, ces thèmes « fil rouge » sont la famille, l’adolescence (en tant que quête initiatique et d’apprentissage), l’exploration des univers parallèles, du temps comme empreinte des traditions japonaises et enfin l’exploration des nouvelles technologies avec le meilleur exemple – Digimon – Summer Wars – Belle (on constate une frontière peu perceptible entre les réseaux sociaux, les jeux vidéos).

Je pense avant tout que Mamoru Hosoda conçoit l’animation comme une forme d’art à part entière, dans toutes ses dimensions. Un amalgame de plusieurs passions et sources d’inspiration : le dessin, la peinture, la poésie, le cinéma, l’architecture. Et bien sur, il puise énormément dans son expérience personnelle.

Ce que j’apprécie beaucoup, dans le déroulement de sa carrière, c’est une constance pour se laisser porter par sa quête de liberté, avec un esprit tourné vers le collectif. Ce trait de caractère peut être considéré comme une forme de vacuité dans ses films, je crois qu’il s’en moque et qu’il veut juste se faire plaisir et faire plaisir au public. Quand on voit sa manière d’apprécier la standing ovation au festival de Cannes 2021, on ne peut pas douter de sa sincérité.

En 2022, 4 ans après « Mirai ma petite soeur », Hosoda va tenter de remporter un Oscars avec son dernier film « Belle » sélectionné dans la catégorie meilleur film d’animation.

Petite anecdote : Vous connaissez tous le générique légendaire de l’anime « Samurai champloo ». Savez vous qui a dirigé son animation ?

Réponse : ɐsosoH nɹoɯɐW

Cette introduction terminée, en route pour explorer plus en détail son parcours fascinant et inspirant pour mieux connaître Mamoru Hosoda.

I- Son parcours

1. L’animation, une vocation de son enfance

L’esprit de la ruche (1973)

Mamoru (je parle comme si c’était mon pote) est née en 1967 à Kamiichi, une petite ville entourée de montagnes, dans la préfecture de Toyama. Dès son enfance, il se passionne pour le dessin et l’animation. Il déclare cette phrase que je trouve très belle : “Enfant, je sentais plus de réalité à travers l’animation”. Un film est pour lui une révélation, c’est “Le Château de Cagliostro” de Miyazaki sorti en 1979. C’est aussi grâce aux dessins animés de Takahata (notamment sa série Anne La maison aux pignons verts) et au récit initiatique de Galaxy Express 999 (1979), qu’il découvre sa vocation : il veut devenir dessiner et devenir réalisateur, pour donner sa propre vision de ses valeurs à travers l’animation.

Il faut parler de l’influence du 7ème art, des films d’Akira Kurosawa qu’il allait voir au cinéma avec sa mère, à ceux de Clint Eastwood mais surtout « l’esprit de la ruche » (réalisé par Victor Erice), a propos duquel il déclare avec un romantisme certain « c’est LE film sur l’enfance qui a changé ma vie et dont je cherche encore à percer le secret. Il faut aussi citer la Belle et la Bête, la version de Jean Cocteau (1946) et celle de Disney (1991) comme source d’inspiration de son dernier film, « Belle ».

Pour concrétiser ce rêve, il commence des études d’art à l’université des arts de Kanazawa au sein du département peinture à l’huile. Mais dans le monde de l’animation, le bagage universitaire, qu’il soit bon ou mauvais, ce n’est pas ce qui compte le plus. Ce qui prime, c’est l’originalité et talent. Et ça Hosoda en a à revendre.

En 1989, Hosoda tente une première fois d’intégrer le studio Ghibli, qui travaille à l’époque sur Kiki la petite sorcière. il envoie une lettre de candidature (avec 150 tableaux, au lieu des 2 demandés) au studio Ghibli. Son talent lui permet d’accéder à la sélection finale, mais Il rate l’examen d’entrée. Il reçoit une lettre de refus signée de Miyazaki en personne (qu’il a conservé). La raison de ce refus est cruelle : sa jeunesse et son manque d’expérience; Même si c’est compréhensible (il a 23 ans à ce moment là) c’est un argument discutable. Car quand on est jeune et sans expérience, et que l’on veut entrer dans le monde du travail, on doit bien débuter. Et le studio Ghibli ne lui a pas donnée cette chance !

2. Son expérience à la Toei Animation

Cette expérience ne le décourage pas et en 1991, il est engagé par le studio Toei au poste d’animateur. D’ailleurs Miyazaki et Takahata sont aussi passé par ce studio, c’est là qu’ils se sont rencontrés.

C’est là qu’il va apprendre le métier d’animateur et progresser. En se mettant à la disposition d’animateurs plus confirmés : Kōichi TSUNODA, Shigeyasu Yamauchi mais sans avoir encore la liberté dans la création à laquelle il aspire.

Son premier rôle important d’animateur clé, il l’obtient pour Dragon Ball Z dans l’épisode 173 Un nouveau Dieu (La première tâche de Dendé !! Les Dragon Balls reviennent à la vie).

Un épisode qui fit un peu office de filler avant le cell game; Un épisode plein d’humour en particulier, la dernière scène dont je ne me rappelait pas avec Cell. Il participe également au film DB Broly, le guerrier légendaire.

En parallèle, il travaille sur d’autres animé que vous connaissez : Slam Dunk, Sailor Moon, Yu Yu Hakusho, puis l’animé DIGIMON.

En 1999, il réalise son premier film pour l’adaptation de la franchise DIGIMON, un moyen-métrage d’animation. Puis en 2000, DIGIMON ADVENTURE – OUR WAR GAME !! Ces deux films sont réunis en Europe dans un même long-métrage remanié pour l’occasion appelé sobrement : Digimon le film.

Une première expérience cinématographique qui dévoile déjà son goût pour les univers alternatifs, qui porte les graines de ces thématiques. Son talent et son travail lui ouvre les portes du studio Ghibli.

Il est remarqué par le président et procureur en chef du studio Ghibli, Toshio Suzuki le contacte directement. Un tournant dans sa carrière ? Pas vraiment…

3.La déception Ghibli

En 2000, Il est engagé pour réaliser « le château ambulant ». Il pense alors tenir sa revanche (sur son examen raté). Voici une image du storyboard (E-konte en japonais).

Mais cette expérience tourne court. En raison de conflits avec certains membres du studio Ghibli qui n’acceptaient pas ses propositions Hosoda se retire du projet

Il est immédiatement remplacé par Miyazaki himself (qui réalisera ce film magnifique). Une nouvelle fois, la porte du studio Ghibli se ferme devant lui. A ce moment, Hosoda avoue avoir ressenti « une rage immense ».

En 2018, dans une interview donné à Libération, il se confie sur l’importance pour lui, du relationnel et de son besoin de liberté dans le travail. Il en a besoin pour s’épanouir pour réaliser un film. Voir ici pour lire l’interview complète

Et cet esprit d’équipe, qui lui est si cher, il n’a pas retrouvé chez Ghibli. Car ce n’était pas le rôle qu’on attendait de lui.

Au final, cette déception va être pour lui un vecteur supplémentaire de motivation dans sa quête de liberté. Malgré cet échec, Il se remet immédiatement au travail. Et prouver qu’un échec est toujours le commencement d’un succès. il se remet au travail pour l’anime « Magical Doremi ».

En 2005, Pour son second long métrage, il réalise le 6e film One Piece : Le Baron Omatsuri et l’île aux secrets. Une vision inédite et décalé de l’univers de One Piece marqué par une intensité dramatique avec certaines scènes digne d’un film d’horreur. Mais qui ne dénature pas l’univers créée par Oda notamment par le fait que les personnages secondaire sont mis en avant comme celui de Daisy qui montre tout son courage et le transmettre à toute sa famille. C’est son dernier film pour la Toei.

Un an plus tard, en 2006 cet esprit collectif et cette liberté qu’il recherche, il va les trouver chez le studio Madhouse qui lui propose de réaliser le film « La Traversée du temps ».

4. Du parcours initiatique à la reconnaissance internationale

C’est le virage important dans sa carrière, lui qui se cantonnait à des adaptions d’oeuvres populaires comme One Piece ou Digimon. « La Traversée du temps » dévoile quelque chose de plus personnel et ambitieux. Au dela de ses qualité d’animation et de réalisateur, il prouve qu’il a quelque chose à nous dire, qui dépasse le simple cadre de l’animation. Un message en forme d’initiation, d’initiatives que l’on ressent immédiatement en voyant ce film. C’est d’ailleurs celui qui va le révéler au public et aux éloges des critiques dans le monde entier.

L’histoire de ce film est la suite d’une populaire nouvelle éponyme de Yasutaka Tsutsui déjà adaptée plusieurs fois : Il raconte l’histoire d’une jeune lycéenne Makoto un peu garçon manqué qui découvre un don particulier : celui de pouvoir traverser le temps.Et de toutes ses possibilités à sa portée !

Mais d’un autre coté, elle va découvrir aussi le sens des ses responsabilités. On retrouve les péripéties d’adolescents, tantôt amusantes, tantôt bouleversantes, parfois les deux à la fois et dans lesquelles on se reconnaît.

On découvre une nouvelle manière de faire de l’animation avec quelques plans fixes sont de toute beauté. Il reçoit le prix « Mention spéciale » du Festival international du film d’animation d’Annecy 2007. Hosoda s’est fait un nom. On commence à le comparer à Miyazaki. A partir de là la carrière de Mamoru Hosoda accompli un sans faute. iI va enchaîner 4 films (chacun avec un écart de 3 ans), une durée qu’il estime trop longue mais nécessaire pour aboutir exactement à ce qu’il veut nous montrer.

Je ne vais pas développer en détail ce que je pense de chaque film mais je vais vous donner en quelques mots mon ressenti. En 2009, « Summer Wars », est pour moi celui qui caractérise le plus sa folie, sa créativité.

5. Une affaire de famille

2011 est certainement l’étape la plus importante de sa carrière. C’est l’année de la création de son propre studio d’animation, le studio Chizu. Cet esprit collectif, cette liberté qu’il voulait tant, il va désormais les cultiver. pendant la production du film les enfants loups. C’est l’aboutissement de toutes ces années de travail.

On pourrait penser que Chizu signifie formage mais pas du tout. Ce mot en japonais se traduit par carte (map), « le plan ». C’est d’ailleurs l’imagerie de la traversée du temps qui inspire le logo du studio Chizu.

Si le thème de la famille est embryonnaire dans la traversée du temps, il se dévoile en forme de fil rouge dans tous ses films suivants. Chacune se focalise sur une relation en particulier et exprime subtilement son idéal de modernité concilié à une vision traditionaliste japonaise.

-En 2012, le premier film du son studio, « Les Enfants loups, Ame et Yuki ». Pour moi , c’est l’un des plus beaux films d’animation. L’histoire de cette mère qui doit élever seul ses deux enfants loups. Un film épuré, pauvre en dialogue mais pur et tellement riche et pur en émotions.

-En 2016, « Le Garçon et la Bête », plein d’énergie qui mélange humour, action et magie. Un film qui va vous faire voyager vous donner de la force.

-En 2018, « Mirai ma petite soeur » est certainement son film le plus intime qui se focalise sur le lien entre un frère et l’arrivée de sa petite soeur dans la famille. Hosoda partage beaucoup de son expérience personnelle à travers la naissance de ses enfants et son portrait croisé du rôle de père, de grand père et de grand frère.

Oui, un autre caractéristique de Mamoru Hosoda est qu’il regarde l’avenir en face (c’est le sens du mot « miraï » en japonais). Sans oublier les leçons du passé, il n’est pas nostalgique du passé.

Sélectionné à la Quinzaine des réalisateurs au Festival de Cannes 2018, et présenté en Compétition Officielle au Festival international du film d’animation d’Annecy 2018. Mirai a été distribué dans 96 pays. En 2021, « Belle » va encore plus loin ». Hosoda fait aujourd’hui partie du groupe très fermé de films d’animation japonais qui bénéficie d’une distribution internationale à grande échelle, (avec les productions Ghibli, et les films de Makoto Shinkai). Il est devenu incontournable dans le monde de l’animation japonaise. Chef de file des thèmes de la famille, de l’humanisme et tourné vers l’avenir.

Sa réussite, il la doit aussi beaucoup à ses plus proches collaborateurs. Qui oeuvrent un peu plus dans l’ombre que M. Hosoda pour le grand public mais dont le talent et le génie sont infinis :

– Yasuo Ōtsuka (chef animateur, character designer et réalisateur japonais) :

Mamoru Hosoda le considère comme son père spirituel. Il a suivi ses enseignements pendant deux ans. Otsuka fait partie des précurseurs dans l’histoire de l’animation, dès les années 60 avec « l’école du mouvement ». La ligne directrice est de simplifier le design, le nombre de détails, au profit du mouvement de l’animation et de sa fluidité.

– Yoshiyuki Sadamoto (character design, directeur d’animation) :

Vous le connaissez surement pour le chara design D’Evangelion. Il est moins connu pour son étroite collaboration avec M. Hosoda mais son empreinte est tou aussi importante. Si vous regardez la traversée du temps, c’est indéniable. Leur entente fonctionne à merveille. Le principal aspect, c’est l’anatomie des personnages, avec des corps longilignes (presque androgyne) et des visages détaillés avec un travail particulier sur les yeux grands et ronds. C’est lui aussi qui donne une véritable filiation à la représentation des personnages. C’est particulièrement réussi pour la famille Jinnouchi dans Summer Wars dont on voit immédiatement le lien familial. Malheureusement, leur collaboration s’est arrêtée nette après le film Ame et Yuki les enfants loups. Mais je trouve que le style Sadamoto est toujours présents dans les films suivants de M. Hosoda

– Kaho Nakamura (la voix de Suzu et de Belle dans son dernier film « Belle ») :

Si vous avez vu le film Belle en Vo, je pense que vous avez été bouleverse par sa voix. Qui s’accorde parfaitement aux mélodies, aux paroles, à toutes ses variations de notes, des plus aigus, qui respirent l’émotion, à la fois dans l’intensité et la douceur. L’interprète est Kaho Nakamura, chanteuse et parolière originaire de la préfecture de Kyoto. Elle est la révélation de ce film dont je ne me lasse pas d’écouter la BO.

-Masakatsu Takagi (auteur, compositeur) : Artiste multi facette, on lui doit l’identité musicale des films du studio Chizu. Principalement au piano (mais pas seulement), il compose avec nos émotions. Plus que cela, c’est un conteur de l’imaginaire qui dépeitt les tranches de vie des personnages, ces petits riens mélodieux qui définissent l’harmonie du quotidien.

Sans comparaison avec Hayao Miyazaki :

Avant de conclure, je voudrais revenir sur deux points, des rumeurs que je considère infondées ou putaclic :

-D’abord, sa prétendue rivalité avec Hayao Miyazaki. La réponse est simple. Elle n’existe car les deux réalisateurs ne se connaissent pas. A ce propose Hosoda déclare : “quand j’ai travaillé sur le Château ambulant, je n’ai jamais rencontré Miyazaki”. Chacun trace son chemin dans l’animation japonaise. Ils ont pu se considérer comme des rivaux au un moment donné mais cela est dépassé depuis longtemps et sans réelle importance. Aujourd’hui, ils sont très différents sur leur manière de faire (Hosoda est beaucoup plus ouvert à la 3D) et leur manière d’être (Hosoda accepté beaucoup plus facilement de se rendre aux oscars). Le plus important, pour nous en tant que spectateur est que chacun soit dans les meilleurs conditions pour continuer de créer et faire passer ses messages dans le monde entier.

-Autre fantasme, la presse parle souvent d’Hosoda comme successeur de Miyazaki. Je pense que cette comparaison n’est pas valable tant les deux génies sont différents. Ce n’est pas une question d’âge, ou de parcours mais simplement d’orientation cinématographique. Hosoda fait partie d’une autre génération de réalisateur, plus ancrée dans le présent, les nouvelles technologies (comme Shinkai), les réseaux sociaux. C’est en ce sens qu’il ne fait pas partie de la génération de Miyazaki Takahata, Tezuka, Nagai…Mais qu’il prolonge l’histoire de l’animation ouverte sur des valeurs positives et sur la beauté du monde. D’ailleurs, je pense qu’il est est beaucoup plus proche de Takahata, par sa sensibilité et une même façon d’exprimer le réel. Et son ovation au festival de Cannes en 2021 était bien réelle !

Pour en savoir plus sur sa prétendue rivalité et ses différences avec Miyazaki :

Standing ovation au festival de Cannes après la projection du film « Belle » :

Conclusion : Je veux revenir à nouveau sur son identité artistique, de sa passion pour l’art, de la beauté du monde au sens large qui est indissociable de toute son oeuvre.

En 2003, la marque de luxe Louis Vuitton lui confie la réalisation d’une publicité, en partenariat avec l’artiste Takashi Murakami. Le résultat, « Superflat Monogram » est un délicieux, et très intéressant court métrage qui préfigure l’univers virtuel, que l’on retrouve dans « Summer Wars » et aujourd’hui dans « Belle ».

II – La liste complète de ses films

A- La période studio « TOEI »

1) Digimon Adventure (1999) – Court métrage (20 minutes)

L’histoire :

En pleine nuit dans le complexe résidentiel de Hikarigaoka, à Nerima (Tokyo), un œuf émane de l’écran d’ordinateur du père de deux jeunes enfants : Taichi Yagami et sa petite sœur Hikari Yagami. L’œuf éclot et une étrange créature en sort. Le monstre se développe progressivement, et se révèle être doué de paroles. Cette créature se présente en tant que Koromon. Koromon évolue et devient de plus en plus massif, ce qui ne manque pas de poser problème lorsqu’il décide de parcourir la ville avec la petite Hikari sur son dos. Taichi se lance à leur poursuite, constatant les dégâts que la créature provoque.

C’est alors que dans le ciel, un second œuf, cette fois gigantesque, apparaît et une autre créature, ressemblant à une sorte d’aigle surgit alors. Les deux monstres se lancent dans un féroce combat au cours duquel Koromon, la créature, se transforme une nouvelle fois en une sorte de dinosaure encore plus impressionnant. Taichi et Hikari, ainsi que plusieurs autres enfants, assistent à la confrontation. Grâce aux encouragements des deux enfants, l’ennemi est terrassé dans une immense explosion. Au petit matin, il ne reste plus aucune trace du monstre et de Koromon. Seul les traces du combat subsistent. Quelques années plus tard, tous les enfants ayant assisté à ce combat deviendront les Enfants Élus et vivront d’incroyables aventures dans le Digital World.

2) Digimon Adventure Notre War Game ! (2000) – Court métrage (40 minutes)

L’histoire :

Ce film se passe environ un an après les évènements de la première saison : Digimon Adventure. Taichi et les autres ont repris le cours de leur vie et n’ont plus que très peu de contact avec le Digiworld, jusqu’au jour où Izumi découvre un étrange digimon sur Internet. Il s’agit de Diabboromon. Ce digimon de type virus entreprend rapidement de détruire un grand nombre de données sur Internet ou sur les gros serveurs, plongeant peu à peu le monde dans le chaos. Les Digidestined décident alors d’intervenir, mais l’équipe est loin d’être au complet.

La bande annonce (remixée) :

3) One Piece : Le Baron Omatsuri et l’Île secrète (2005)

L’histoire :

L’équipage du Chapeau de Paille décide de prendre quelques jours de repos sur l’île du Baron Omatsuri. Mais, à leur arrivée, ils découvrent que l’accueil n’est ouvert qu’à ceux qui sont capables de gagner une série d’épreuves individuelles. Peu à peu, l’équipage entre dangereusement en compétition.

La bande annonce :

4)Digimon Adventure 3D: Digimon Grandprix! (court métrage de 7 minutes)

L’histoire : Au Digital World est organisé une grande course automobiles à laquelle participent les partenaires des enfants Élus ainsi que PicoDevimon. Une course où absolument tout est permis. Douze participants concourent dans l’intention de remporter le titre « Roi des Digimon ».Qui sera grand vainqueur ?

B- La période studio « MADHOUSE »

1) La Traversée du temps (2006)

L’histoire :

Makoto est une jeune lycéenne comme les autres, un peu garçon manqué, pas trop intéressée par l’école et absolument pas concernée par le temps qui passe ! Jusqu’au jour où elle reçoit un don particulier : celui de pouvoir traverser le temps. Améliorer ses notes, aider des idylles naissantes, manger à répétition ses plats préférés, tout devient alors possible pour Makoto. Mais influer sur le cours des choses est un don parfois bien dangereux, surtout lorsqu’il faut apprendre à vivre sans !

La bande annonce :

2) Summer Wars (2009)

L’histoire :

Bienvenue dans le monde de OZ : la plateforme communautaire d’internet. En se connectant depuis un ordinateur, une télévision ou un téléphone, des millions d’avatars alimentent le plus grand réseau social en ligne pour une nouvelle vie, hors des limites de la réalité.
Kenji, un lycéen timide et surdoué en mathématiques, effectue un job d’été au service de la maintenance d’OZ. A sa grande surprise, la jolie Natuski, la fille de ses rêves, lui propose de l’accompagner à Nagano, sa ville natale. Il se retrouve alors embarqué pour la fête traditionnelle du clan Jinnouchi. Il comprend bientôt que Natsuki ne l’a invité que pour jouer le rôle du » futur fiancé » et faire bonne figure vis-à-vis de sa vénérable grand mère. Au même moment, un virus attaque OZ, déclenchant catastrophe sur catastrophe au niveau planétaire.
Avec l’aide de Kenji, tout le clan Jinnouchi se lance alors dans une véritable croisade familiale pour sauver le monde virtuel et ses habitants…

La bande annonce :

C- La période studio « CHIZU »

1) Les Enfants loups, Ame et Yuki (2012)

L’histoire :

Hana n’est qu’une jeune étudiante à l’université lorsqu’elle tombe amoureuse de l’un de ses camarades de classe. L’élu de son cœur semble avoir tout pour plaire : grand, mince, vêtements décontractés, un peu timide, discret, attentionné… Ce jeune homme est cependant porteur d’un lourd secret : il est le dernier représentant de la race des hommes-loups. Mais, pour Hana, cela importe peu.

Lorsque son compagnon disparaît, la laissant seule avec leurs deux enfants, Yuki la téméraire et Ame le craintif, Hana choisit de quitter la ville et s’installe à la campagne pour élever les jeunes enfants-loups. À l’abri des regards, Ame et Yuki pourront alors choisir s’ils souhaitent être des loups ou des humains.

La bande annonce :

2) Le Garçon et la Bête (2016)

L’histoire :

Shibuya, le monde des humains, et Jutengai, le monde des Bêtes… C’est l’histoire d’un garçon solitaire et d’une Bête seule, qui vivent chacun dans deux mondes séparés. Un jour, le garçon se perd dans le monde des Bêtes où il devient le disciple de la Bête Kumatetsu qui lui donne le nom de Kyuta. Cette rencontre fortuite est le début d’une aventure qui dépasse l’imaginaire.

La bande annonce :

3) Miraï, ma petite sœur (2018)

L’histoire :

Kun est un petit garçon à l’enfance heureuse jusqu’à l’arrivée de Miraï, sa petite sœur. Jaloux de ce bébé qui monopolise l’attention de ses parents, il se replie peu à peu sur lui-même. Au fond de son jardin, où il se réfugie souvent, se trouve un arbre généalo-ma-gique. Soudain, Kun est propulsé dans un monde fantastique où vont se mêler passé et futur. Il rencontrera tour à tour ses proches à divers âges de leur vie : sa mère petite fille, son arrière grand-père dans sa trépidante jeunesse et sa petite sœur adolescente ! A travers ces aventures, Kun va découvrir sa propre histoire.

La bande annonce :

4) Belle (2021)

L’histoire :

Dans la vie réelle, Suzu est une adolescente complexée, coincée dans sa petite ville de montagne avec son père. Mais dans le monde virtuel de U, Suzu devient Belle, une icône musicale suivie par plus de 5 milliards de followers. Une double vie difficile pour la timide Suzu, qui va prendre une envolée inattendue lorsque Belle rencontre la Bête, une créature aussi fascinante qu’effrayante. S’engage alors un chassé-croisé virtuel entre Belle et la Bête, au terme duquel Suzu va découvrir qui elle est.

La bande annonce :